“为什么非要我练音阶?少练一点不行吗?”“不行!”
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有一些事情一定没有捷径可走，所有值得称道的伟大工程一定都是日积月累的辛劳换来的。
就像所有不练音阶的音乐教育都是耍流氓。如果学音乐是那么简单可以毫无困难地学的话，那么人人都是音乐家了。
音阶对音乐学习者来说，可能是和乐理一样最讨人厌的学习环节了，但现实却又一遍又一遍告诉人们，最枯燥的往往就是最实用、最有效的。
这一篇我们就讲讲看似最枯燥，但是其实是最万金油的提升办法——勤练音阶！
-- 为什么练音阶？ --
我们李慧老师的总结是这样的；
1 .可以锻炼到双手的协调、换弦、运弓、换把和音色；
2 .获得对调性和音型的感觉；
3 .有助于加快学习新曲目的速度、建立听觉认知、增强对乐器布局的认识、培养优异的音准、提高乐句线条的均匀度和音质。
其实这一篇的主题也是李慧老师特地要求的。很多学生并不明白音阶的重要性，这种枯燥的东西对于孩子来说也许有些折磨。
更不好的是，家长们也往往会忽略这些并不好听的练习，更耐听的技法、新曲目总是更加令家长们兴奋。但如果家长不能够充分明白音阶的重要性，从而督促孩子练习的话，往往事倍功半。
-- 大师们的建议 --
几乎没有哪个大师是反对练音阶的，他们或多或少地都会对音阶的练习进行强调。但没有一个人说可以不练音阶和琶音。在音阶的支持者当中，苏联学派的大师尤其强烈。
举一个最大最大的例子，出生于立陶宛的，上个世纪被认为是最伟大的小提琴大师亚莎·海菲兹，考察一个学生拉得怎么样，并不是听这个学生的乐曲拉得如何，而是听这个学生的音阶，24个大小调音阶琶音甚至还有三度六度八度双音。他认为一个连音阶都拉不好的学生或者演奏者是不可能把音乐演奏好的。
而且跟众多小提琴大师相比，海菲兹是最天才的类型，所以他在练琴上的时间其实分配得并不多。
很多最顶级的小提琴大师，比方帕尔曼、文格洛夫，哪怕在成名后的每天练习时间都在八小时以上，不知道是不是练得太多，像帕尔曼等很多大师到了晚年，技术发生了明显的下滑，但是海菲兹一直到80岁似乎都风采不减当年。以至于，海菲兹成名以后，他说他自己每天练琴时间不过一个半小时，多的时候也就是三个小时。
然而！在这个对于专业人士来说极少的三个小时内，海菲兹会花一半的时间以上来练习音阶。每天必修课是24个大小调音阶琶音三度、六度、八度过两遍。
海菲兹恐怕是这个地球上存在过的天赋最高的几个人之一，他都每天练那么多音阶，我相信我们这些凡人恐怕没有不练的理由。
钢琴领域，就说近的，郎朗也曾经说过他每天坚持练琴的必修课也是所有音阶都要过一到两遍。
法国长笛大师朗帕尔，20世纪最伟大的长笛演奏家
钢琴和小提琴两个最大的领域如此，其他领域也不例外。
长笛大师朗帕尔和詹姆斯·高威都表示每天音阶的练习是必修课。当然管乐是单音乐器，练完音阶和七组琶音，就可以了，没有三度六度八度的困扰。
长笛大师詹姆斯·高威
我们可以看出，最优秀的演奏家都把音阶的重要性提得非常高，那音阶的重要性就不言而喻了。
-- 音乐的基本元素 --
首先我们要明确，除非你喜欢演奏无调性音乐，绝大部分的音乐作品都是主调音乐。主调音乐的基石就是音阶，练琶音都是脱胎于音阶。
尤其可以去看贝多芬、海顿、莫扎特的作品，里面音阶以最原始的方式呈现出来的机会都非常之多。比如贝多芬的《D大调小提琴协奏曲》，毫不夸张地讲，这部伟大作品就是对小提琴独奏者音阶和琶音的最大考验。帕尔曼曾经说过这首曲子难就难在都是赤裸裸的、简单粗暴直接的音阶琶音，所以演奏者没有办法通过很多其他的技巧混过去，就那么清清白白地展现在观众面前。所以对于大部分的德奥作品，音阶和琶音尤其重要。
贝多芬《D大调小提琴协奏曲》独奏片段乐谱
学习音阶对音乐演奏来说就是一个循序渐进的过程，这就好像盖一栋房子，一砖一瓦，才是建成高楼大厦的基础，如果在砖瓦上偷工减料，注定是无法盖成高楼大厦的。盖到一半就会，大楼就会倒塌，所以几乎可以下定论地说，你如果不把音阶和琶音练到炉火纯青的地步，基本上是不可能成为一个合格的演奏家的。
当然了如果只是业余学学，满足于自己弹给自己听那倒是不怕。但是如果想上台，音阶和琶音不练好，基本是毫无希望。
-- 音准 --
当然钢琴没有这个问题，管乐可能也还好。音准是专门对于弦乐来说的。曾经我国著名小提琴家陈曦老师就谈过关于音准的问题。
陈曦老师说，他曾经在跟已故的指挥大师、小提琴大师洛林·马泽尔学习的时候也问过这样的问题，问马泽尔大师怎么去看待如何练习音准的问题。
指挥大师洛林·马泽尔
马泽尔大师的意思是，小提琴好的音准来源于好的听力和好的手指记忆，也就是说你在练习新的曲子的时候，一定要开始就仔细地，耐心地把每个音都拉准，做到对音的第一印象就是准的，这样的练习才是最高效的。
那么音阶的练习无疑是帮你制造最多的跟每个音打交道的机会，在练乐曲的时候要兼顾音乐性，往往不能把所有的精力全部集中在音准上。那么在练音阶的时候这样的机会就来了。音阶的练习当然不是一成不变的，可以有不同的速度，不同的跨度，不同的分弓。
总结来说，音阶的练习本质上是在同时帮助手指提升对准确的音的肌肉记忆，也是在帮助耳朵能够更好地感受什么是准确的音高。
-- 均衡 --
我们的每根手指的生理条件、肌肉构造都是各不相同的，但是在音乐的过程当中，我们往往需要每个手指都能发出一样声响的音。说白了要练习手指的“独立性”。
所以在音量的均衡上，非常需要对每根手指的专注练习，并让每个手指的力度可以保持一致。当然弦乐和管乐不用担心这个问题，音阶的练习并没有办法帮你调节音量。
对音量的均衡方面，钢琴的音阶练习是至关重要的。因为演奏乐曲的时候我们的乐句的强弱是有倾向性的，所以直接练习乐曲并不能重复起到手指音量均衡的作用，那么这个时候音阶和琶音给了我们最好的机会可以练习钢琴上的音量均衡。
人类手部肌腱示意图
除了音量的均衡还有时值的均衡，刚刚开始练习乐器的人肯定经常会碰到无名指、小指容易下去的快的情况，这是因为我们手指之间的构造各异，导致这两根手指的力相对较弱，无名指下去的时候，容易带着小指一起下去，所以在时值上肯定是会容易更快，这样的话会导致音乐非常不均衡，听上去忽快忽慢。
同样地，练习音阶，逐渐把速度推上去，可以给我们强健的小指肌腱，给我们时值均衡的音乐。进一步巩固我们手指的“独立性”。
-- 音色 --
其实乐器演奏到了高级，大家都解决了音准节奏等一些基本的技巧问题，拼的就是发音的音色了。这些才是区别演奏家的真正的关键点，管乐可能差别不大，但是弦乐的高下之分主要就出现在音色上。
对于管乐，音色确实跟音阶关系不是最大的，但是对于弦乐，练习音阶给了右手最大的空档来感受自己音色的变化。
对于钢琴来说，音色的练习就直接关乎到音阶。钢琴要练的所谓高抬指、吊大臂，其实最终都为了能最轻松地、最有控制地发出最好音色来服务，其实就是所谓的“触键”。音阶的配合高抬指、吊大臂的练习，也是练习触键绝佳的时机。
-- 控制 --
说到底音乐最终就是“控制”。首先，你要心中有音乐，这个关乎到修养，就是你首先得在心目中听到自己想要的音乐。这就好像一个建筑师做的设计图，好的设计是在于有好的创意好的想法，那么好的音乐修养，好的音乐情趣就像一个优秀的设计师，能在心目中构建出出色的音乐蓝图。
我们练习的这些技巧，就是看你能把你心目中的音乐能展现多少出来，就像是建筑师有了好的设计方案，没有好的工程队，没有优秀的土木工程师，也无法将其变为现实。我们去练习技术、练习技巧，就是在练习怎么去实现。
等完全掌握了技术，就应该忘掉这些技术，最终达到只要心中有想法，就能够在手上实现，而不去问具体怎么实现。这个就是“见山是山，见山不是山，见山又是山”的三重不同境界了。
所以，敲黑板：练琴！
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